Romantic Reflexes 24 Aug. - 12 Oct. 2023 _ Gallery Simon_ Seoul

The exhibition titled "Romantic Reflexes" draws its inspiration from the dictionary definition of 'romance'—an emotional or idealistic attitude toward reality—while simultaneously layering the historical significance of Romanticism. Just as the word 'romantic' carries complex meanings beneath its lyrical resonance, the visual impressions of works by Kim Hong-shik, Jeong Zik-seong, Sooyeon Hong, and Hwang Ran are aesthetically brilliant, yet the intentions embedded within them harbor another profound abyss.

It would be a misreading to interpret "Romantic Reflexes" as physical 'reflection.' The true intention lies in the physiological 'reflex.' Artists project external stimuli—landscapes, social phenomena, sensations, and experiences—into their work, and through repetitive processes, these actions become embodied within them like a reflex. The act and practice of the artist, whether involving pain or pleasure, are romantic, and the resulting artworks transmit a romantic ‘reflexive response’ to the audience.
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Sooyeon Hong, known for her sophisticated yet poised abstract language, has built her 30-year career on "an attempt to draw out and formalize abstract images latent within." However, she does not paint with a brush. Instead, she assists the pigment in moving and forming shapes on its own. Her process is as follows: she constructs the canvas frame, applies size, and adds a base coat. She repeats the process of sanding and recoating to achieve a surface as smooth as an ice rink. Once the canvas is ready, she lays it flat on the floor and pours pigments mixed with mediums onto it.

"During graduate school, I was fascinated by Automatism and began working with the canvas laid flat. However, my approach differs from 'automatic writing,' which records the subconscious as it is. It has evolved into a kind of obsessive method where I attempt to control even the accidental elements."

Gripping the pigment-laden canvas with both hands, she repeats the actions of tilting, stopping, lifting, and setting it down. The gravity that makes the paint flow, the artist's kinetic power that moves the canvas, and the surface tension inherent in the pigment’s materiality all converge. The arduous labor is 'paused' the moment the shape the artist intended emerges. She waits for the paint to dry, then repeats the process of adding more pigment, shaping, and drying. The balance of movement and force itself becomes the artwork. The traces of layered paint represent a multi-layered accumulation of time.

These works, created through meticulous calculation, high-level restraint, and silent waiting, present a static exterior but harbor the dynamic properties of time and motion. The tension between chance and necessity, obsession and freedom, the balance of gravity and tension, and the coexistence of permeating comfort and piercing tension all reside within a single frame. The artist, tracing the origins of these ‘abstractions’—which feel like miraculous hanging droplets, taut soap bubbles, or air bubbles swimming underwater—recalled a subconscious memory from a near-death experience when she almost drowned in the sea in the fifth grade. She noted that the slow movement as if time had stopped, the absolute silence cut off from the outside world, and the feeling of the watery light and transparent gray she saw at the threshold of death have become the driving forces of her long abstract journey.

Having disciplined herself over a long period, Sooyeon Hong has mastered the method of internalizing external experiences and emotions, translating them into a highly refined abstract language. She responds with a delicate 'recipe' involving the elasticity of the canvas (which only the artist can perceive), the concentration of paint and water, the speed and pressure of the brush, and the relationship with drying time. Hong describes this as "sensations learned and interpreted through the body as the experience of working accumulates," adding, "The body serves as an important medium, a tool that reflects both consciousness and the subconscious." What she seeks is the existence of an overlap or a point of balance between extreme concepts, such as past and future, life and death, and dreams and reality.   _ Curated by Sang-in Cho

흔히 ‘무지개’라고도 불리는 , 영국 낭만주의 시인 윌리엄 워즈워스(1770~1850)의 대표작 ‘내 가슴 설레고’이다. 그 유명한 구절 ‘어린이는 어른의 아버지’가 등장하는 이 시는 종종 동심과 순수함에 대한 찬가로 해석된다. 이따금 ‘무지개’는 자연과 연결된 존재를 상징하며, 이것을 위즈위스의 시적 재능이라 분석하는 영문학자들도 있다. 후자의 관점으로 접근한다면, 시인은 과거에도 그랬듯 현재도, 나아가 미래에도 분명 무지개에 대한 설렘에 반응하는 자신의 시작(詩作)을 이어가리니, 이 얼마나 낭만적인가! 

‘낭만주의’ (Romanticism)는 서유럽에서 18세기 말에 시작돼 19세기 중엽까지 이어진 문예사조를 뜻한다. 어원이 된 고대 불어 로망’(Roman)은 원래 표준어로써 고급 문학에 쓰이던 라틴어에 대응하는 지방 사투리 (향토어)를 지칭했고, 기이하고 환상적인 것이나 이성의 합리성을 강조한 계몽주의가 허점을 드러내고, 낡은 정치 체제를 타파하고자 한 프랑스혁명(1789)이 오히려 인간의 취약한 면모를 보여주는 상황에서 환멸감과 당혹감을 극복하고자 등장한 것이 낭만주의였다. 낭만은 감성과 인간성의 진실을 추구하고, 자아에 대한 확인과 자국 문화에 대한 존중에 불을 지폈다. 낭만은 개성을 강조하며, 경직된 사회가 아닌 유기체적인 세상을 꿈꿨다.

기획전 ‘낭만적 반사’(Romantic Reflexes)의 ‘낭만’은 ‘현실에 매이지 않고 감상적 이상적으로 사물을 대하는 태도나 심리’ 라는 사전적 의미에다 이 같은 낭만주의의 경향을 중의적으로 얹헜다. ‘낭만’ 이라는 단어가 감기롭고 서정적인 어감 이면에 복합적 의미를 가지듯, 참여작가 김홍식 · 정직성 · 홍수연 · 황란(이상 가다나순) 작품의 시각적 첫인상은 유미적이고 화려하지만 그 안에 담긴 의도는 또 다른 심연을 품고 있다.

반짝반짝 빛나는 작품들로 인해 ‘낭만적 반사’를 물리학적 ‘반사(reflection)로 읽는다면 오독이다. 의도는 본뜻은 생리학적 반사(reflex) 다. 조건반사와 무조건 반사, 혹은 파블로프(Ivan P Pavlov)의 반사 실험 등으로 친숙한 반사작용 말이다. 예술가들은 풍경 · 사회현상 · 감각 · 경험 등 외부자극을 작업에 투사하고, 반복되는 작업 과정은 반사작용처럼 그들 안에 체화한다. 작가의 행위와 실천은 그것이 고통이든 쾌락이든 로맨틱하며, 그 결과물인 작품은 관람객에게도 로멘틱한 ‘반사적 감응’을 전달한다.
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세련되고 정체된 추상 언어의 홍수연 또한 “내 안에 잠재된 추상적 이미지를 끄집어 내 형상화 하려는 시도”로 30여 년의 화업을 쌓아왔다. 단, 붓으로 그리지는 않는다. 물감이 스스로 움직여 형태를 만들어가게 조력한다. 과정은 이렇다. 캔버스의 틀을 짜고, 아교칠과 밑칠을 한다. 얼음판처럼 매끈한 표면을 위해 갈아내고 다시 칠하기를 반복한다. 준비가 끝난 캔버스를 바닥에 눕힌 다은, 그 위에 미디움을 배합한 안료를 얹는다.

“대학원 시절 오토마티즘(Automatism)에 매료돼 캔버스를 눕혀 놓고 하는 작업을 시작했지만, 나는 무의식을 그대로 기록하는 자동기술법과는 다르다. 우연적인 부분마저 제어하려는 일종의 강박적인 방식으로 진화했다.”

물감이 얹힌 캔버스를 두 손으로 붙잡고, 기울였다 멈추고 들었다 놓기를 반복한다. 물감을 흘러내리게 하는 중력, 캔버스를 움직이는 작가의 동력, 여기다 안료의 물성 자체가 갖는 장력까지 더해진다. 고된 작업은 작가가 의지한 형태가 만들어지는 순간 ‘일시 중지’ 된다. 물감이 마르기를 기다린다. 다시 안료를 얹고 형태를 만들어 말리기를 반복한다. 움직임과 힘의 균형 그 자체가 작품이 된다. 겹겹이 쌓인 물감의 흔적은 층층이 축적된 시간성이기도 하다.

치밀한 계산과 고난도의 절제, 묵묵한 기다림이 만드는 작품은 정적(靜的)인 외연을 보여주지만 시간과 움직임의 동적(動的) 속성을 품고 있다. 우연과 필연, 강박과 자유의 팽팽함, 중력과 장력의 균형감, 스며드는 편안함과 파고드는 긴장감이 한 화면에 공존한다. 용케 매달릴 물방울 같고, 탱탱한 비눗방울 같기도 하며, 물속을 유영하는 공기 방울처럼 느껴지기도 하는 그 ‘추상’의 근원을 더듬는 작가는 초등학교 5학년 때 바다에 빠져 익사할 뻔한 임사경험의 무의식을 기억해 냈다. 시간이 멈춘 듯 느릿한 움직임, 외부와 단절된 절대 고요의 시간, 죽음의 문턱에서 봤던 물빛과 그 투명한 회색의 느낌을 구현하고 싶다는 마음이 기나긴 추상 여정의 동력이 된 거 같다고 했다.

긴 시간 스스로를 단련시킨 작가 홍수연은 외부 경험과 감정을 내재화 해 완성도 높은 추상언어로 치환하는 방법을 깨우쳤다, 그는 작가만이 감지할 수 있는 캔버스의 탄력, 물감과 물의 농도, 붓이 지나가는 속도와 압력, 건조 시간의 관계 등 섬세한 레시피로 반응한다. 홍 작가는 이를 “작업의 경험치가 쌓이면서 몸으로 해석하고 익힌 감각들” 이라며 “신체는 의식과 무의식을 함께 반영하는 도구로서 중요한 매개체로서의 역할을 한다” 고 말했다. 그가 찾고자 하는 것은 과거와 미래, 삶과 죽음, 꿈과 현실처럼 극단으로 여겨지는 개념들 사이의 중첩 부분이나 균형점의 존재다. 지난해 코리아나미술관 개인전에서 선보인 최근작은 가녀림 윤곽선을 지켜온 형상들이 마침내 흩어지고 폭발한 듯한 이미지로 구현됐다. 

 _ 전시기획 조상인