단순한 조형미가 은은한 빛을 발하는, 예술작품의 존재로서의 ‘거기 있음’이 두드러지는 현대 도자기와 추상 회화가 갤러리 비케이의 단정한 공간에서 만났다. 비현실적이고 신비로운 무중력의 공간을 부유하는 듯한 홍수연의 그린과 흙의 중력으로 좌대에 밀착되어 있는 절제된 형태의 이헌정의 도자기는 같이 섞이어 어울린다기보다는 등가적인 힘으로 긴장감 있는 균형을 유지하고 있다. 홍수연의 그림과 이헌정의 도자기는 예술가의 지난한 기다림과 손끝이 빚어낸 공들인 노동력의 산물이라는 점에서 유사한 깊이가 있다. 고유의 절제된 조형이를 가지고 있는 두 작가의 작품들은 서로의 아우라를 침범하지 않으면서 각각의 존재감을 발하고 있다.

두작가가 흙과 안료라는 완전히 다른 질료의 내밀한 형상화를 통해 존재의 깊이 있는 울림을 우리에게 전달한다면, 그 기저에는 그들이 견뎌낸 긴 시간, 기다림의 덕목이 있다. 이헌정은 건조되어가는 그릇을 자기도 모르게 하루 종일 지켜보며 “혹시 그릇이 마르는 것이 바람과 햇살이 아닌 눈에 의하여 그리고 마음에 의해서 되는 것이 아닌지” 의아해 할 정도이다. 홍수연 또한 물감을 캔버스에 붓고 말리는 것을 반복하는 동안 표면의 미세한 변화로부터 눈을 뗄 수가 없다. 물감의 침전도를 관찰하며 캔버스를 적당히 기울여 주기도 하고, 그렇게 생성되는 층을 얹고 또 얹는 과정은 지난한 기다림을 요한다.

설치, 가구 등 다양한 매체의 영역을 넘나들며 작업을 하는 이헌정에게 있어 도예는 다양한 예술적 체험의 여행 후 귀환하는 예술의 근원지이다. 이헌정은 이번 작품들을 유독 공예적인 측면에 초점을 맞추고 노동 집약적인 도예가의 시간을 견뎌내면서 만들어냈다. 노동의 시간이 길다는 것은 재료와의 대화하는 시간이 길다는 것이다. 도예가는 흙, 불, 바람 등과 직접적으로 대화를 하고 어우러리며 순수한 교감을 하는데, 이 창작가로서의 목적을 내세우지 않는 수동적인 과정에서 작위적이지 않은 자연스러운 미가 탄생된다. “흑에 의해 선택된 도예가는 흙이라는 원초적인 물질을 숭배하는 종교적인 자세” 로 재료의 물성과 그 프로세스에 자신의 노동을 내맡긴다. 이헌정의 항아리와 집 연작은 자연스러운 멋을 살려두기 위해 완벽한 다듬기를 거부했던 조선시대 도예의 반고전적이고 반 정형적인 형식미를 구현한다. 이헌정 항아리와 집 연작은 자연스러운 멋을 살려두기 위 완벽한 다듬기를 거부했던 조선시대 도예의 반고전적이고 반 정형적인 형식미를 구현한다. 장인의 손에 의하여만 탄생될 수 있는 완벽하지 않은 형태에서 나오는 자연스러운 멋은, 재료의 순도를 살릴 뿐 아니라 형태의 순도를 뽑아내는데서 나온다.

이헌정이 흙을 빚어내고 햇살에 말리듯, 홍수연도 안료를 붓고, 말려내고, 붓으로 다듬으며 형태를 빚어낸다. 홍수연의 근작들은 그 어느 때보다도 양감이 두드러진다. 작가가 작품제작 초기 단계에 그려내는 원형질과도 같은 유동적인 형태는 물감을 붓는 행위와 공기와 온도와 수분의 우연성에 내맡겨져 점차적으로 조각적인 형태를 갖추게 된다. 홍수연은 인위적으로 우연적인 느낌을 조절하기보다는 우연성의 방치를 통해 근원성을 확보하는 한편, 장인과 같은 노동으로 작품의 정교한 긴장을 확보한다. 형태를 올리기 전 준비하는 수많은 바탕 칠에도 샌드 페이퍼로 갈아내는 작업이 들어가고, 그렇게 준비한 바탕위에 물감을 부어 형태를 만들 때도 캔버스를 기울여 침전도를 조정하고, 아크릴릭, 수용성 안료, 미디움, 먹 등 서로 다른 재료가 서로의 성질을 밀고 당기는 것을 지속적으로 관찰한다. 이처럼 홍수연의 오감이 집중된 시간속에서 작품은 서서히 균형을 잡아간다. 무채색의 바탕위에 무채색으로 이루어진 형상들은 마친 진공의 상태에 있는 듯 아득하게 느껴지지만, 작품제작의 그 지난한 과정이 만들어내는 섬세한 표면의 질감은 감상자를 가까이 더 가까이 작품에로 끌어당기는 힘을 가지고 있다.

이헌정의 도자기와 홍수연의 회화는 이처럼 각각의 순도(purity)로 존재의 근원을 암시한다. 마이클 프리드는 하이데거의 존재론에 근거하여 예술작품의 현존성(presentness)이 그 축복이라고 하였다. 형식미와 미적 가치를 논할 수 있는 작품이 흔치 않은 이 시대에 홍수연과 이헌정의 작품의 만남은 예술 개념의 가파른 변화와 동시대의 주도적 비평 언어를 초월하여 모더니즘적인 예술작품의 존재론을 상기시킨다.

At Gallery BK’s refined space, modern ceramics and abstract paintings—each radiating a subtle beauty through simplistic form—have come together, highlighting their "being-there" as existential works of art. Hong Soo-yeon’s greens, which seem to float in an unrealistic and mysterious zero-gravity void, and Lee Hun-chung’s ceramics, with their restrained forms firmly rooted to their pedestals by the gravity of clay, maintain a tense equilibrium of equivalent forces rather than merely blending together. The works of both artists share a similar depth, born from the laborious physical effort and the painstaking patience of the artist’s fingertips. Possessing their own disciplined aesthetics, these pieces radiate their respective presence without encroaching upon each other’s aura.

While the two artists convey a profound resonance of existence through the intimate manifestation of entirely different materials—clay and pigment—at the core of their work lies the virtue of waiting and the long stretches of time they have endured. Lee Hun-chung watches his vessels dry all day, almost unconsciously, wondering if "the drying of the vessel is perhaps achieved not by wind and sunlight, but by the eyes and the heart." Similarly, Hong Soo-yeon cannot tear her eyes away from the minute changes on the surface as she repeatedly pours and dries paint on the canvas. She observes the sedimentation of the pigments, tilting the canvas just so, and the process of layering and re-layering requires exhaustive patience.

For Lee Hun-chung, who traverses various media such as installation and furniture, ceramics is the "home base" to which he returns after journeys of diverse artistic experimentation. In this exhibition, he focused specifically on the craft aspect, enduring the labor-intensive time of a potter. A long duration of labor signifies a long dialogue with the material. The ceramicist engages in direct conversation and communion with clay, fire, and wind; from this passive process, where the creator’s ego is set aside, an unforced and natural beauty is born. "A ceramicist chosen by the clay" surrenders their labor to the materiality and process of the medium with a "religious attitude of worshipping the primordial substance." Lee’s Moon Jar and House series embody the anti-classical and anti-formal aesthetics of Joseon Dynasty ceramics, which rejected perfect finishing to preserve natural charm. This natural beauty, emerging from imperfect forms that only a master's hand can produce, arises not only from preserving the purity of the material but also from extracting the purity of the form itself.

Just as Lee Hun-chung kneads clay and dries it in the sun, Hong Soo-yeon pours pigment, dries it, and refines it with a brush to sculpt her forms. Her recent works exhibit a more prominent sense of volume than ever before. The fluid, protoplasmic shapes she creates in the early stages are left to the contingencies of the pouring act, air, temperature, and moisture, gradually taking on sculptural qualities. Rather than artificially controlling randomness, Hong secures primordiality by allowing chance to take its course, while simultaneously ensuring a sophisticated tension through artisan-like labor. Even the numerous base layers involve sanding with sandpaper; when creating shapes by pouring paint onto this prepared base, she adjusts the sedimentation by tilting the canvas and constantly observes the "push and pull" between different materials like acrylics, water-soluble pigments, mediums, and ink. Within this time of concentrated sensory focus, the work slowly finds its balance. The achromatic shapes on achromatic backgrounds feel distant, as if in a vacuum, yet the delicate surface texture created by the arduous process possesses the power to draw the viewer closer and closer.

In this way, Lee Hun-chung’s ceramics and Hong Soo-yeon’s paintings suggest the origin of existence through their respective "purity." Drawing on Heidegger’s ontology, Michael Fried stated that the "presentness" of a work of art is its grace. In an era where works that allow for a discussion of formal beauty and aesthetic value are rare, the meeting of Hong Soo-yeon and Lee Hun-chung transcends the steep shifts in artistic concepts and dominant contemporary critical language, reminding us of the ontology of the modernist work of art.