홍수연의 작품은 작업의 과정에서 생성된 얼룩, 물감의 잔재, 말라붙은 색채의 껍질로부터 출발한다. 한동안 그녀는 자신이 남겨놓은 물감의 레이어를 떼어내어 다시 화면 혹은 유리벽 위에 붙여나가는 작업을 계속해 왔다. 개별적 존재로서의 이 색면들이 다시 화면 위에 나타나게 된 것은 놀라운 일이 아니다. 이 독립적인 색면들은 스스로 진화해 이제는 화면 위에서 섬세하게 자신의 운동을 드러내는 형태들로 나타나고 있다. 이 운동성을 구현하기 위해 홍수연은 미리 농도를 조정해 놓은 액상의 색채들을 중력의 힘을 이용해 흘림으로써 화면 위에 얇은 레이어를 쌓아 가는 과정을 통해 최소한의 두께를 지닌, 화면을 향해 최대한 밀착되어있는 회화적 대상을 만들어 낸다. 이 운동성에 대해 이동석은 다음과 같이 말한 바  있다.
“어디로 갈지, 움직임이 끝나면 무엇이 남겨질지 아무도 모른다. 마치 우리 삶이 그런 것 처럼”

이 색면들은 바다 속을 떠도는 생물이나 미시계의 세포처럼 가볍고 하늘거리면서도 때로는 그것 자체의 존재에 대해 강렬한 확인을 요구하는 듯 명확한 윤곽을 지닌 채 움직인다. 이들의 존재감은 개별적인 색면들에 의해 획득되는 것이 아니라 이 윤곽들의 겹침, 다층적인 레이어의 교차에 의해 가능해 지는 것이다. 즉, 개체들이 시각적으로 완전히 평면적인 데도  불구하고 이들이 볼륨을 지닌 것처럼 보이는 것은 반투명의 레이어들 사이로 점점 깊어지는 시각적 깊이에 의한 것이다. 그녀의 다른 작품들에 붙여진 <스틸컷>이라는 제목은 그런 점에서 매우 의미심장하다. 순간들의 연속으로 이루어진 다수의 연속체들은 서로 겹치기도 하고 분이 되기도 하면서 우리가 시간이라고 부르는 전체집합을 구성한다. 우리가 현재라고 부르는 것은 이러한 연속체의 단면이며, 이에 대한 은유를 우리는 사진이나 영화의 <스틸컷>에서 발견한다.

홍수연의 색면들은 추상적 연속체들의 단면들, 즉 상호 중첩되거나 분리된 사건 혹은 대상들의 순산적 관계들을 상호-침투적(inter-penetrable) 인 순간들의 형태로 나타낸다. 화가의 시간이 어떻게 흐르는가 하는 것은 정말 알기 어려운 사실들 가운데 하나다. 화가들 가운데는 재현과 현존의 명멸을 끊임없이 따라잡아야 하는 이들이 있다. 극도로 추상적인 이 작업에 대해 현실이 화가에게 해줄 수 있는 것은 아무것도 없다. 우리가 할 수 있는 것은 단지 작가가 그 과정의 내부에 여전히 ‘살아 남아 있기를’ 바라는 것이다. 홍수연은 일련의 진화를 통해 어떤 비전의 내부를 향하고 있는 것처럼 보인다. 갈라지는 길의 길목에서 그녀가 더욱 안쪽으로 향하는 길로 접어들기를 바란다. 그것이 관객이 화가에게 바랄 수 있는 뻔뻔스럽지만 유일한 바람이다.

Sooyeon Hong’s work originates from the stains, paint residues, and dried husks of color generated during her artistic process. For a time, she continued the practice of peeling off these layers of paint she had left behind and re-attaching them to canvases or glass walls. It is no surprise that these color planes, as individual entities, have reappeared on the screen. These independent planes of color have evolved on their own and now manifest as forms that delicately reveal their own movement upon the canvas. To realize this mobility, Hong utilizes the force of gravity to flow liquid colors with pre-adjusted concentrations, accumulating thin layers to create a pictorial object with minimal thickness that adheres as closely as possible to the screen. Regarding this sense of movement, critic Lee Dong-seok once remarked:

“No one knows where it will go, or what will remain once the movement ends. Just as it is in our lives.”

These color planes move with clear outlines—sometimes light and fluttering like organisms drifting in the sea or cells in a microscopic world, and at other times appearing to demand a powerful confirmation of their own existence. Their presence is not acquired through individual color planes but is made possible by the overlapping of these outlines and the intersection of multi-layered strata. In other words, although the entities are visually completely flat, the reason they appear to possess volume is due to the visual depth that gradually deepens between the translucent layers. In this regard, the title <Still Cut>, which she has given to other works, is profoundly significant. A multitude of continuums, composed of a succession of moments, overlap and diverge to constitute the entire set we call "time." What we call the "present" is a cross-section of this continuum, and we find a metaphor for this in the "still cuts" of photography or film.

Hong’s color planes represent cross-sections of abstract continuums—that is, the momentary relationships of inter-overlapping or separated events or objects—in the form of inter-penetrable moments. How a painter’s time flows is truly one of the most difficult facts to grasp. Among painters, there are those who must constantly catch up with the flickering of representation and presence. There is nothing that reality can do for the painter in this extremely abstract endeavor. All we can do is hope that the artist remains "alive" within that process. Through a series of evolutions, Sooyeon Hong seems to be heading toward the interior of a certain vision. At the crossroads of diverging paths, I hope she takes the path leading further inward. That is the blatant yet only wish a spectator can have for a painter.