요새 들어 심심치 않게 접할 수 있는 미술계 관련 뉴스는 지난 10여년간의 침체기에서 벗어나 호황기를 맞고 있는 미술시장의 모습이다. 주요 대형 미술전시나 소규모 미술전시를 찾는 방대한 수의 관람객에서부터 경매나 아트페어에 참여하는 수요 인구의 증가까지, 과거에는 미술을 소수만이 향유하는 것이었다면, 오늘날에는 대중의 영역에까지 미술이 확장되어 일상의 일부로까지 잠입하기에 이르렀다. 그리고 사람들에게 시각적인 즐거음은 물론이요 체험의 즐거움을 주고 있다.

회화작가 홍수연의 미술은 이처럼 소수와 다수 모두가 즐거울 수 있는 장점을 지니고 있다. 자기 본연의 매체인 회화를 고수하면서도 그것을 또 다른 모습으로 응용하여 자신만의 가능성을 만들어냈다는 점에서 그의 작품은 즐거움을 준다. 응용력, 물론 누구나 다 아는 공공연한 성공 노하우겠지만, 나만의 전술과 이를 적절하게 응용할 줄 아는 능력은 치열한 삶을 성공적으로 이끌기 위해 반드시 필요하다. 특히 국내 상황에서 미술작가들이 스스로의 존재가치를 높이기 위해서는 자신의 작업 키위드를 꾸준히 실험대에 올림으로써 보다 많은 경우의 수를 만들어내고, 다양한 분야에서 응용력을 높일 수 있도록 하는 용기와 재치가 절실하다.

치밀한 계산이 만들어낸 형태 없는 형태

형식면에서 정통회화를 고집하는 홍수연은 얼핏 보면 얼핏 보면 앞서 이야기한 ‘응용력’과는 거리가 먼 작가로 여겨질 수 있다. 특히 최근 전시장에서 볼 수 있는 홍수연의 작품이 100% 회화인 터라 더욱 그러할지도 모른다.

2005년 갤러리인, 2003년 와이트월 개인전에서도 그는 회화작품만을 고수했다. 그러나 홍수연을 본격적으로 국내에 알리는 계기가 되었던 2001년 포스코미술관 전시에서 작가는 작품이 가진 잠재력을 유감없이 보여주었다. 당시 한 비평가는 그를 ‘영리한 작가’로 언급하기도 했는데, 그때 홍수연은 추상회화 작품을 비롯하여 그림 속 이미지들을 주변 환경에 실제로 적용한 회화 ‘응용작품’을 선보였다. 사실 미술작가들은 늘 새로운 안료나 독특한 붓터치의 방법론 등에 촉각을 세움으로써 나만의 개성을 살리고, 작품 응용력을 높이고자 한다. 그런 점에서 홍수연은 성공적인 발견을 했다고 할 수 있다.

“포스코미술관에서 개인전으로 열기 몇 년 전, 뉴욕에서부터 그림 껍질작업을 시작했는데, 이 작업은 아주 하찮은 것을 주목하면서부터 시작되었다. 회화작품의 주요 모티브가 되었던 형태들을 우연한 기회에 캔버스에서 떼어내게 되었고, 나뭇잎이나 꽃잎을 책 속에 끼워두듯 이것들을 파일속에 보관하곤 했다. 버려지기 일쑤인 조각들을 모아 재구성하는 것을 시작으로 이 작업은 점차 나의 흔적들을 채취하는 일상이 되었는데, 이를 캔버스가 아닌 다른 공간에 놓는 것이 계기가 되어 껍질작업으로 발전하게 되었다.”

당시 전시주제였던 ‘Vestibule’은 몸의 평형상태를 유지하게 하는 귀속 전정기관을 의미하는 의학용어이자 집 현관을 들어서면 존재하는 각 방으로 나눠지기 전 통합되어 있는 공간을 의미한다. 작가는 “높은 곳에서 떨어지면서도 평형상태를 유지하며 땅에 사뿐히 착지하는 고양이처럼, 2차원 평면 안에서 유동적이면서도 물질적인 상태 사이에서 밸런스를 유지하는 느낌을 표현하고자 했다”고 말한다. 그래서 ‘Still Cut’시리즈는 고요하면서도 불안감과 긴장감을 일으키는 움직임을 상징한다.

“무엇인가를 하나로 규정하는 것을 좋아하지 않는다. 내 작업에서 보이는 주요 형태는 원형질의 그 무엇인다, 이는 궁극적으로 형태에 대한 거부감에도 불구하고 물감을 흘리는 작업방식 자체에서 필연적으로 드러나는 모순된 결과이기도 하다. 다시말해 무정형으로 물감의 경계를 잡아주어야만 그림이 완성되는 단계에 이른다. 형태를 규정짓는 것을 거부하면서도, 형태를 인식해야만 그림이 완성되는 모순과 형태 없는 형태 만들기, 사실 이러한 모순이 옳은 것인가 아니면 그른 것인가라는 고민을 끊임없이 하게 된다.”

홍수연은 형식적인 측면에서 회화작가로 분류될 수 있지만, 그녀 역시 모호한 간극이나 경계면을 탐구하는 포스트모던 작가이다. 다양한 영역을 접합시킨 작업 경향은 비단 최근의 미술계에서만 목도할 수 있는 현상은 아니다. 경계의 소멸, 다원화시대, 복잡계 등 포스트모던 어휘에 익숙한 오늘날, 다양한 분야에서 이 에너지 넘치는 영역을 어떻게 긍정적으로 응용할 수 있을 것인가 하는 연구는 이미 여러 분야에서 활발하게 전개되고 있다.

그림 껍질들로 메워진 공간과 벽은 마치 작가가 직접 그린 그림으로 착각하게 된다. 정형화되어 있지 않고 부유하는 듯한 형태의 껍질들이 공간에 옮겨져 본래 공간이 유지하던 색을 완전히 바꾸어 버리는 것이다. 작가의 설명처럼 “평면에서 입체로의 변화와 공간의 자유로움에 의해서 이 작업은 항상 바뀔 수 있다는 성격을 지닌다”는 사실이 홍수연의 작업이 갖는 매력이자 장점이다. 아세테이트라는 작업소재 또한 플라스틱의 인공적인 특징이 그 위에 얹어지는 이미지와 대비효과를 증폭시키고, 반투명한 매체는 그 특징을 더욱 부각시킨다.

“초기에는 지금보다 물감을 흘리는 작업 성향이 좀 더 강했다. 형태가 견고해지기 시작한 것은 2000년 이후인데, 이때에도 물성이 강조된 것은 아니었고, 인위적으로 조작된 느낌을 살리고자 하지도 않았었다. 페인트 흔적이 마르면서 오브제가 되었고, 물성을 강조하게 되면서부터 회화작품에서도 레이어를 점점 강조하는 작품으로 변모하게 된 것이다.”

작업이 단해 보인다는 말에 작가는 정색을 한다. “각 레이어마다 물감의 용도, 묽기 등에 따라 물성이 모두 다르기 때문에 작업 전 테스팅은 필수이자, 형태를 잡기 위한 치밀한 계산이 요구된다.캔버스의 텐션에 의해 모양이 결정되는 작업이라 울림을 잡아내기 위해서는 정교한 계산 아래 짜여진 캔버스가 필요하다. 이를 위해 직접 캔버스를 짠다. “작업당 짧게는 한 달, 길게는 세달까지도 걸리는 작업시간도 놀랍지만, 우연에서 비롯된 자연스러운 비교적 간단한 작품이라 생각했던 그의 작품이 우연을 가장한 치밀한 조작에서 비롯된 전략적인 작업이라는 점은 더 놀랍다.

매체 응용력을 높이다

1992년 미국으로 건너간 후 줄곧 뉴욕에서 거주하며 작업활동을 해온 홍수연은 당시 생활과 직접적으로 부딪히게 되면서, 상업건물의 레스토랑이나 상점 등의 벽 테코레이팅 작업을 도맡아 하거나 전문 판화공간에서 색을 만들어주는 컬러리스트 작업을 파트타임으로 하게 된다. 9.11테러가 발생하고, 2002년 창동 미술스튜디오 프로그램에 참여하게 되어 한국에 들어오기 전까지 지속해온 이들 작업에 대해 작가는 스스로 본래 색에 대한 두려움이 없이 정확한 색을 만들어내는 데 탁월한 재능이 있었고, 그렇기 때문에 지금의 작업을 형성하는데 별 도움이 못 되었다며, 이때의 활동이나 기억들을 다소 간과하고 있는 듯 말했다. 그러나 일에 있어 인과관계란 항상 존재하는 법. 뉴욕에서의 다년간의 경험이 홍수연으로 하여금 캔버스라는 작은 영역에서 벗어나 벽과 환경으로까지 그림 껍질작업으로 변화를 도모한 가교 역할을 했을 것이다. 마치 19세기 말의 미술공예운동이 수공업의 미적 가치를 재평가하고 예술의 산업화를 통한 예술의 대중화를 시도했던 것처럼, 홍수연 또한 회화가 갖는 제한된 영역을 새롭게 변모시키며 확장시켰다는 점에서 그의 작업은 흥미를 유발한다.

뉴욕에서는 돈을 벌기 위해 기계적으로 벽 데코레이팅 작업을 했다면, 지금은 기회가 되면 자발적으로 회화작업과 함께 인테리어 작업을 병행하고자 한다. 건축가 최문규 씨와 진행했던 시어스백화점 서울사무실 작업이나 분당의 노인전문병원 , 타워팰리스등 로비작업 등을 비롯하여 최근에는 광화문 소재 샌드위치 상점 내부 벽 데코레이팅 작업을 진행하였다. 이만큼 홍수연의 작업은 다양한 모습으로 해석,응용된다.

홍수연의 회화작업은 뚜럿한 색감과 이미지로 영화계에서 주목하고 있는데, ‘동갑내기 과외하기’’ 작업의 정석’ 등에서 작품 “Still Cust’과 “Casting Call” 이 인테리어 소품으로 사용되었다. 또한 ‘시월애’의 경우, 작가가 직접 영화미술팀에 참여하여 영화제작을 돕기도 했다. 그러나 한편 그의 작품이 발산하는 고유 아우라가 강해서인지 기획전시의 경우, 다른 작품들과 조화롭게 융화되지 않아 섭외에 어려움이 따른다는 전시기획자들의 이야기가 종종 들리기도 한다. 이를 극복하고자 작가는 그 동안 잠시 쉬고 있었던 재료의 물성에 관한 연구를 본격적으로 재개하고 이를 곧 작업화하려는 계획을 갖고 있다.

홍수연은 2차원이나 3차원이니 하는 이분법적인 잣대에 대해 자유로운 시선을 가진 만큼 앞으로 어떤 방향에서 이를 발전시킬 것인가 방대한 과제가 주어져 어깨가 무겁다. 올해 가을 전시를 목표로 준비하고 있다는데, 과연 어떤 어휘로 자신의 작품을 보여줄 지 그의 새로운 해석을 기대한다.

Recent news in the art world frequently highlights a booming market, emerging from a decade-long stagnation. From the vast crowds visiting major exhibitions to the increasing population participating in auctions and art fairs, art has expanded from a niche luxury to a part of the public’s daily life. It now offers not only visual pleasure but also the joy of experiential engagement.

The art of painter Sooyeon Hong possesses the unique strength of appealing to both the few and the many. Her work brings delight because she adheres to her primary medium, painting, while simultaneously applying it in new forms to create her own possibilities. While "adaptability" is a well-known secret to success, the ability to apply one's own unique tactics is essential for leading a successful career. Particularly in the domestic art scene, artists need the courage and wit to constantly put their "keywords" to the test, creating more variables and increasing their adaptability across various fields.

Formless Forms Created by Meticulous Calculation

In terms of form, Sooyeon Hong insists on traditional painting, which might initially make her seem distant from the aforementioned "adaptability." This impression may be strengthened by the fact that her recent exhibitions consist of 100% paintings.

She maintained this focus on painting in her solo exhibitions at Gallery In (2005) and Whitewall (2003). However, it was her 2001 exhibition at the POSCO Museum of Art—the catalyst for her recognition in Korea—that fully demonstrated the potential of her work. At the time, a critic referred to her as a "clever artist," as she showcased not only abstract paintings but also "applied works" that integrated images from her paintings into the surrounding environment. While many artists strive for individuality through new pigments or unique brushwork, Hong achieved a successful breakthrough in the application of her work.

"A few years before my solo show at the POSCO Museum, I began my 'paint skin' work in New York. It started with paying attention to the trivial. By chance, I peeled off forms that were the primary motifs of my paintings from the canvas. I began storing them in files, like pressing leaves or petals in a book. Starting with reconstructing these discarded fragments, collecting these 'traces' became a daily routine. Placing them in spaces other than the canvas led to the development of the 'skin' works."

The theme of that exhibition, "Vestibule," is a medical term referring to the vestibular system that maintains bodily balance, as well as an architectural term for the integrated space one enters before branching off into separate rooms. The artist explains, "Just as a cat maintains its balance while falling from a height to land softly, I wanted to express the feeling of maintaining balance between fluid and material states within a two-dimensional plane." Thus, the Still Cut series symbolizes movements that evoke a sense of calm alongside anxiety and tension.

"I don't like defining something as just one thing. The primary forms in my work are protoplasmic; ultimately, despite a resistance to form, these are the contradictory results that inevitably emerge from the process of pouring paint. In other words, the painting reaches completion only when the boundaries of the paint are set in a formless way. I constantly struggle with the contradiction of refusing to define form while needing to recognize it to complete the work—the creation of a 'formless form.'"

While Hong is classified as a painter, she is also a postmodern artist exploring ambiguous gaps and boundaries. This trend of merging diverse fields is not unique to the recent art world. In today’s era of pluralism and the blurring of boundaries, research on how to positively apply this energy is active across many disciplines.

Spaces and walls filled with her "paint skins" can be mistaken for murals painted directly by the artist. These unfixed, floating skins transform the original color of a space. As she explains, "This work has the character of being constantly changeable due to the transition from plane to three-dimensionality and the freedom of space." This is the charm of her work. Her use of acetate as a material amplifies the contrast between the artificial nature of plastic and the images placed upon it, with the semi-transparency further highlighting these features.

"In the beginning, the tendency to pour paint was stronger than it is now. The forms became more solid after 2000, but even then, I didn't intend to emphasize materiality or an artificially manipulated feeling. As paint traces dried, they became objects. By emphasizing materiality, my paintings evolved into works that increasingly highlight layers."

The artist becomes serious when told her work looks "simple." She notes, "Since the materiality of each layer differs depending on the purpose and dilution of the paint, testing before working is essential, and meticulous calculation is required to capture the form." Because the shape is determined by the tension of the canvas, she even builds her own canvases to ensure they are structured under precise calculations to capture the right "resonance." While the long production time—ranging from one to three months—is surprising, it is even more remarkable that her work, which appears to be a simple result of chance, is actually a strategic product of meticulous manipulation disguised as coincidence.

Enhancing Media Adaptability

After moving to the U.S. in 1992, Hong lived and worked in New York. During that time, she worked part-time decorating walls for restaurants and shops in commercial buildings and as a colorist in professional printmaking studios. Before returning to Korea in 2002 for the Changdong Art Studio program, she continued these activities. She once modestly remarked that her talent for creating exact colors without fear helped her form her current work, though she seemed to downplay these memories. However, there is always a cause and effect. Her years of experience in New York likely served as the bridge that allowed her to escape the small confines of the canvas and expand her "paint skins" into walls and environments. Much like the Arts and Crafts movement of the late 19th century re-evaluated the aesthetic value of craftsmanship, Hong’s work is intriguing in the way it transforms and expands the limited domain of painting.

While she decorated walls in New York "mechanically" to earn a living, she now seeks to voluntarily combine interior work with her painting when opportunities arise. Her portfolio includes collaborations with architect Choi Moon-gyu for the Sears Department Store Seoul office, lobby projects for geriatric hospitals in Bundang and Tower Palace, and a wall decoration project for a sandwich shop in Gwanghwamun. Hong’s work is interpreted and applied in various ways.

Her paintings have also caught the attention of the film industry for their distinct colors and imagery. Works from her Still Cut and Casting Call series appeared as interior props in films like My Tutor Friend and The Art of Seduction. For the film Il Mare, she even participated in the art team. Meanwhile, some curators mention that because the unique "aura" of her work is so strong, it can be difficult to harmonize with other pieces in group exhibitions. To overcome this, the artist plans to resume her research into the materiality of materials—a study she had briefly paused—and incorporate it into her upcoming work.

As an artist with a free perspective on the dichotomy of 2D and 3D, Sooyeon Hong faces the vast task of deciding which direction to take next. With an exhibition planned for this autumn, there is great anticipation for how she will interpret her work through a new vocabulary.