겹칠수록 영롱한 홍수연의 층

가슴 속 깊은 슬픔을 놓아주면, 이 같은 색이려나. 홍수연이 흩뿌린 색은 층을 더할수록 말갛고 투명한, 서글플 정도로 차가운 빛을 완성한다. 그는 샛초록에 빨강을 더하기도 하고 막 피기 시작한 프리지아 꽃 이파리 같은 노랑을 겹겹이 쌓기도 한다. 사파이어처럼 깊은 파랑을 쓰는가 하면 그린토파즈의 빛깔 같은 투명한 풀색을 구사하기도 한다. 실로 그의 색들을 마주하면 찬란한 그것들의 조합이 심정을 저렁저렁 쥐고 흔든다. 그렇게 가시광선에 의해 전달된 감각이 사그라질 때쯤부터 그가 읊조리려 한 스토리에 서서히 집중하게 되는데, 결코 그 어떤 뚜렷한 형태도 지니지 않은, 분명한 색을 지니고 있지만 상대적으로 유연하며 본질을 파악할 수 없고 때로 미세한 떨림으로까지 감각되는 형태들은 독특하고 다양한 감상을 선사한다. 여러 겹의 층은 금방이라도 흘러내릴 듯 유동적이며 전혀 계획되지 않은 우연에 의해 형성된 듯 여겨지지만 묘하게 이야기를 품고 타자의 시선과 교감한다.

색은 홍수연의 작품을 말하는 명확한 표식이지만, 정작 작가는 ‘색 자체는 표현 기법 중 하나일 뿐’이라고 단언한다. 색을 통해 전달되는 느낌이 무엇일까를 염두에 두긴 하지만 그것이 작품의 전부는 아니며, 오히려 강한 색 때문에 간과될지 모르는 스토리에 작가는 더 많은 계산과 열의를 쏟아 붓는 것이다. 보는 이가 그것을 제대로 읽고 공감하기를 바라는 홍수연은 추상과 구상의 기본 접점에서 시각적 폭이 커진다는 이론을 성립하고 가장 제한적인 사각 틀 안에 원형적인 형질을 가진 것들이 어떻게 기묘하게 부닥치는 느낌을 갖는가에 주력한다. 그는 순간적인 찰나를 데자뷰처럼 보이게 장면을 연출하거나 아웃라인을 만들어 물감을 부음으로써 우연처럼 보이는 조작을 가한다. 2003년 <스틸 컷>이라고 명명한 작품들은 이러한 방식과 나름의 철학을 고스란히 함의한다. 곧 터질 것 같은 느낌, 서로 밀어내는 보색들의 조합은 팽팽한 긴장감을 완성했다.

지난 2000년부터 결정체처럼 물성화 된 작업을 통해 미술계에서 트레이드마크를 구축하던 그가, 가장 최근 전시에선 색을 뺀 모노톤의 작품들을 선보였다. 고급스런 색감으로 뽐내던 홍수연의 레이어들은 컬러를 덜고 빛을 더한 채 의연하게 모습을 드러냈다. 얼핏 화면은 보다 단순화된 듯 비쳐졌지만 실상은 그 반대였다. 겹겹이 올라 쌓인 레이어들은 물성을 뺐으되 조형적인 느낌으로 무장하고, 전보다 강한 몰입을 유도했다. 문득 ‘색이 지나치게 감성적인 느낌을 갖는 것은 아닐까?’, ‘보이는 것, 오로지 아름다운 것에만 치중하고 있는 것은 아닐까?’ 여기고 감행한 작가의 도전이 낯설지만 강렬한 자극으로 눈길을 끈 것이다. 캔버스의 제한된 공간을 뛰어 넘으려 했던 홍수연은 오히려 색에 또 다른 제한을 둠으로써 자기 작품의 한계를 어떻게 깰 수 있을까에 도전했다. 그리고 공간에서 ‘만들어진 것’들을 빼내고자 했던 이 시도는 그가 앞으로 만끽할 다양한 방식들의 근간을 마련해, 그는 다음엔 또 어떤 요소에 제한을 둬 색다른 작업을 완성할까란 의욕에 충만해 있다.

글 앞에서 설명했듯 홍수연의 작업은 철저한 계산과 압축된 팩트로 만들어진다. 겹쳐질수록 밀도를 지니거나 혹은 더욱 투명하게 여겨지는 층들은 미리 의도한 캔버스의 기울기와 물감의 양, 그리고 부어짐의 방법 등에 의해 만들어진 것이며 어떤 면이 아래쪽에 놓이고 어떤 층이 위로 올라올지 또한 정확하게 고려되어진다. 작가는 각 층에 충분한 시간을 부여함으로써 그들끼리 서로 섞여 잔상을 만들거나 또는 도드라지게 분별되도록 하고, 화면 전체가 진화하고 있는 유동적 이미지로 인식되게 만든다. “뚜렷하게 명확한 공간이 프레임화 되고 그 안에 공간에 불명확한 추상적 혹은 덜 만들어진 형상이 놓여진다. 이때 그 안에 있는 형상들은 지속적 변형을 일으킬 듯 한 연속선상에 있다. 구체적인 연상이 떠올려 지는 형상을 가시화시키기 보다는 추상적인 것이 새로운 시각적 경험의 폭을 넓힌다고 생각한다. 화면 속에 등장하는 형상들은 각각의 몸짓과 속도감 혹은 표정으로 이루어진 일종의 마스크 같은 것이다. 정확히 마지막을 처음부터 완벽하게 계획할 수는 없지만, 우연적 현상을 최대한 배제하고 철저히 통제되는 과정을 통해 이미지가 처음의 느낌과 거의 맞아떨어지는 정점에서 작업은 끝난다.” 그가 적은 노트대로, ‘우연’처럼 인식되는 그의 작품은 사실 ‘우연’과 정반대로 완성되는 것이다.

자칫 모호한 느낌으로 치닫던 그의 형상들은 이제 자리를 잡아 원형적 형태에서 변형을 거듭하고 있다. 조각적 회화 같던 물성화 작업 또한 조금씩 꺼풀을 벗고 담백함을 지니며 레이어들은 보다 명확하고 단순하게 표현되어지고 있다. 홍수연 화면 안의 기하학적 형태와 유기적 형태들의 기묘한 결합은 무언가 일어날 듯 한 암시적 느낌을 최대한 고조시키며 보는 이를 매료시킨다. 더할수록 영롱해지는 색 놀림으로 기량을 자랑하던 그는 이제, 한 걸음 더 나아가 시간과 공간 안에서의 균형 잡기 게임을 만끽하고 있다. 그는 자유자제로 공간을 설정하고 아슬아슬한 순간과 기묘한 떨림을 완성하고 있다. 6월, 전시를 통해 선보일 사각 프레임 안, 형상의 이질적 조화로 만들어진 홍수연의 이야기가 자못 궁금하고 기대된다.

= 작가 홍수연은 1967년 서울 출생으로 홍익대학교 서양화과와 동 대학원 서양화과를 졸업하고 Pratt Institute, Fine Art 대학원에서 수학했다. 1992년 서울 소나무갤러리에서 첫 개인전을 가진 후 포스코미술관(2001), 금호미술관(2002), 화이트월갤러리(2003), 갤러리인(2005), 대구 분도갤러리(2007), 토탈미술관 the room(2009)에서 전시를 열었으며 6월 3일부터 서울 한남동 류화랑에서 또 한 번의 개인전을 선보인다. 2002년 제1기 창동미술창작스튜디오 프로그램에 참여했으며 서울문화재단 지원사업에 선정된 바 있다. 국립현대미술관, 상하이 한국 총영사관, 네덜란드 한국대사관을 비롯 금호미술관과 포스코미술관, 삼성 등에 그의 작품이 소장되어 있다.

Layers Appearing More Brilliant When Overlapped

If one were to release a deep, heartfelt sorrow, would it take on a color like this? The colors scattered by Sooyeon Hong complete a light that is clear, transparent, and almost chillingly melancholic as layers are added. She may add red to a vivid emerald green or stack layers of yellow, reminiscent of freshly blooming freesia leaves. At times, she employs a sapphire-like deep blue or a transparent grass-green akin to green topaz. Confronting her colors, their brilliant combinations grasp and stir the viewer’s emotions. As the initial sensory impact of light fades, one begins to focus on the story she whispers—forms that possess no distinct shape but hold clear colors; forms that are flexible, elusive in essence, and sometimes perceived through minute tremors, offering a unique and diverse range of impressions. These multiple layers appear fluid, as if they might drip at any moment, and seem formed by unplanned coincidence, yet they strangely harbor stories and commune with the gaze of the "other."

While color is a definitive signature of Hong’s work, the artist herself asserts that "color itself is merely one of the expressive techniques." Although she considers the feelings conveyed through color, it is not the entirety of the work; rather, she pours more calculation and passion into the "stories" that might be overlooked due to the intensity of the colors. Seeking for the viewer to truly read and empathize with her work, Hong establishes a theory that the visual breadth expands at the intersection of abstraction and figuration. She focuses on how primordial qualities collide mysteriously within the most restrictive rectangular frame. She orchestrates scenes to make a fleeting moment appear like a déjà vu or applies "controlled coincidence" by creating outlines and pouring paint. Her 2003 series, Still Cut, inherently carries this method and her unique philosophy. The sensation of being on the verge of bursting and the combination of repelling complementary colors complete a sense of taut tension.

Since 2000, Hong has built her trademark in the art world through works that are materialized like crystals. However, in her most recent exhibition, she introduced monotone works stripped of color. Her layers, once boasting luxurious hues, revealed themselves resolutely—reducing color while adding light. At a glance, the screen appeared simplified, but the reality was quite the opposite. The accumulated layers stripped away materiality yet were armed with a sculptural sensibility, inducing a stronger sense of immersion than before. This was a bold challenge born from her questions: "Does color feel excessively emotional?" or "Am I focusing only on what is visible and beautiful?" This shift has drawn attention as a strange yet powerful stimulus. By placing a new restriction on color, Hong challenged the limits of her own work and sought to transcend the confined space of the canvas. This attempt to remove "manufactured things" from the space has laid the foundation for the diverse methods she will enjoy in the future.

As previously mentioned, Sooyeon Hong’s work is crafted through thorough calculation and compressed facts. The layers, which gain density or appear more transparent as they overlap, are created by the pre-intended tilt of the canvas, the amount of paint, and the method of pouring. She precisely considers which surface will lie at the bottom and which layer will rise to the top. By granting sufficient time to each layer, the artist allows them to mix and create afterimages or to stand out distinctly, making the entire screen perceived as an evolving, fluid image.  "A clearly defined space is framed, and within that space, an ambiguous, abstract, or 'under-construction' form is placed. These forms exist on a continuum, as if undergoing constant transformation. Rather than visualizing a form that evokes specific associations, I believe abstraction expands the breadth of new visual experiences. The shapes appearing on the screen are a kind of 'mask' made of individual gestures, speed, or expressions. I cannot perfectly plan the final result from the beginning, but through a process of excluding chance and maintaining thorough control, the work ends at the peak where the image almost perfectly matches the initial feeling."
As noted in her artist’s journal, her work—often perceived as "coincidental"—is actually completed through the exact opposite of coincidence.

Her forms, which once leaned toward ambiguity, are now finding their place and undergoing continuous transformation from primordial shapes. The material-focused work, once like sculptural painting, is gradually shedding its outer skin to reveal a clean simplicity, with layers expressed more clearly and simply. The mysterious combination of geometric and organic forms within Hong’s frames fascinates the viewer, heightening an implicative feeling that something is about to happen. Having once boasted her skill with colors that grew more radiant with every addition, she is now moving a step further, enjoying a "balancing game" within time and space. She freely sets the space, completing breathtaking moments and mysterious tremors. There is much anticipation for the story Sooyeon Hong will present this June—a story created through the heterogeneous harmony of forms within the rectangular frame.

= Born in Seoul in 1967, Sooyeon Hong graduated from Hongik University with a B.F.A. and M.F.A. in Western Painting and continued her studies at the Pratt Institute Graduate School of Fine Arts. Since her first solo exhibition at Sonamu Gallery in 1992, she has held exhibitions at the POSCO Museum of Art (2001), Kumho Museum of Art (2002), Whitewall Gallery (2003), Gallery In (2005), Bundo Gallery in Daegu (2007), and Total Museum of Art 'the room' (2009). Her upcoming solo exhibition will be held at Ryu Gallery in Hannam-dong, Seoul, starting June 3rd. She participated in the 1st Changdong Art Studio residency program in 2002 and was selected for the Seoul Foundation for Arts and Culture support project. Her works are held in the collections of the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), the Korean Consulate General in Shanghai, the Korean Embassy in the Netherlands, Kumho Museum of Art, POSCO Museum of Art, and Samsung.