생물학적으로 생체가 환경에 적응하기 위해서 또는 존재를 유지하기 위해서 보이는 평형상태를 <동질정체, Homeostasis>라 부르는데, 생체는 이러한 평형상태를 유지하지 못하면 활동력이 저하되고 의욕과 흥미, 동기가 상실될 뿐만 아니라 정서적 불안정과 피로 등의 스트레스를 받게 된다고 한다. 오스트리아의 철학자 지그문드 프로이드는 이러한 <동질정체, Homeostasis>의 본능이 심리학적으로도 매우 중요한 역할을 하고 있으며, 균형상태를 유지하려는 고도의 긴장감이 인간의 욕구need와 즐거움hedonic의 근원이 된다고 하였다. 이러한 심리적 긴장과 이완의 과정은 종종 미술작품을 통해 표현되기도 하며, 시각적인 긴장감을 통해 그 카타르시스를 전하기도 한다.

홍수연의 는 작가가 오랫동안 진행해 오던 ‘균형과 긴장감’ 대한 마지막 단계이자 새로운 작업이 시작되는 시점이라고 볼 수 있어, 그의 작업을 함축적으로 살펴 볼 수 있는 기회가 되고 있다. 홍수연의 작품은, 붓을 거의 사용하지 않고 캔버스를 기울여 물감을 흘리는 독특한 기법으로 잘 알려져 있으며, 유기적인 형태와 물감이 켜켜이 쌓여 만들어낸 섬세한 단층Layers들을 작품의 특징으로 들 수 있다. 그러나, 실제적으로 그의 작품에서 주목해 보아야 할 점은, 매우 단순하고 명료한 형태를 제작하기 위한 축적된 감성과 사고思考, 신중하고 심도있는 제작 과정, 그리고 균형과 조화를 유지하기 위한 고도의 긴장감 이라는 점이다.

홍수연의 초기 작업은 캔버스의 기울기에 따라 흐르는 색채로 만들어진 우연한 형태에서 시작되었다. 캔버스가 평형을 이루고 있을 때 색채는 짙어지고, 이미지가 형성되어 질 때 색채는 가벼워 진다. 이러한 작업이 연속적으로 시도 되면서 색채는 미묘한 층을 구성하게 되고 색감은 다양한 깊이를 가지게 된다. 즉, 균형은 형태를, 시간은 색감을 만들어 낸 결과를 얻게 된 것이다. 이에 비해, 이번 전시에서 소개 되어진 작업은 우연히 만들어 지는 형태나 색감을 철저하게 구성하고 계획하여 재현해 내는 작업으로, 통제되고 절제된 우연성이라는 점에서 이전의 작업보다는 좀더 긴장된 상태를 유지하고 있다. 또한, 작품 속에서 보여지는 형상들이 이전에는 우연한 효과에 의한 불확실한 느낌에서 시작이 되었다면, 이번에는 원형circle을 기준으로 한 연속된 변형으로, 좀 더 기본적이고 본질적인 형태에 대한 탐구가 시도되었다고 볼 수 있다. 작품 속의 유기적인 형상들은 특정한 사물이나 구체적인 형태를 보여주지는 않지만, 무한히 가능한 형상을 제시하고 있다는 점에서 추상이라고 말하기는 어렵다. 오히려, 시각적 경험이나 기억을 통해 연상할 수 있는 형태를 제시함으로써 친숙한 형태와 낯선 형태의 경계에서 모호한 의식의 균형을 경험하게 한다.

균형과 조화, 그리고 그것을 유지하기 위해 지속되는 긴장감은 홍수연의 작업을 구성하는 주요한 모티브가 되고 있으나, 그의 작업은 오랜 시간을 통해 조금씩 변화를 가지고 진행되어 왔다. 균형을 유지하기 위한 일은 매우 섬세하고 예민한 일이나, 균형이 가지는 조화는 반대로 편안하고 안정된 느낌을 준다. 즉, 원형과 변형 사이에서 형태를 구성하는 일, 캔버스의 균형을 유지하며 형태를 창조하는 일, 치우치지 않게 색감을 분배하는 일, 공간을 구성하고 순간을 포착하는 일 그리고 자신과 타인의 의식적 교점을 포착하는 모든 긴장된 과정들과 첨예한 균형잡기로 인해, 그의 작업은 매우 조용하고 편안한 작업으로 표현되는 것이다.

마치 오랜 시간을 가지고 진화하는 생명처럼, 홍수연의 작품도 느리게 진화하고 있는 듯 하다. 아주 미세한 변화를 위해 끊임없이 움직이고 작용하고 반응한다. 익숙함과 낯설음, 현실과 이상, 변화와 조율, 채움과 비움 사이에서 오차 없는 균형을 유지하기 위해 끊임없이 힘을 나누고 있다. 동시에, 이 모든 것을 포함하는 시간과 공간 사이에서 균형점equilibrium point을 포착하기 위해 오랜 시간을 기다리고 있다. 그래서 홍수연의 작품은 조용하면서도 열정적이고, 단조로우면서도 심각하며, 조용하면서도 극도의 긴장감을 유지하고 있다. 홍수연의 잔잔한 작품에서 생명력이 느껴지는 이유일 것이다.

In biology, the state of equilibrium that an organism maintains to adapt to its environment or sustain its existence is called Homeostasis. It is said that when a living body fails to maintain this balance, its vitality decreases, leading to a loss of desire and motivation, as well as stress-induced emotional instability and fatigue. The Austrian philosopher Sigmund Freud noted that this instinct for homeostasis plays a crucial psychological role, suggesting that the heightened tension required to maintain balance is the very source of human "need" and "hedonic" pleasure. This process of psychological tension and release is often expressed through works of art, conveying catharsis through visual tension.

Sooyeon Hong’s work can be seen as both the final stage of her long-standing exploration of "balance and tension" and the starting point of a new trajectory, providing an implicit overview of her artistic evolution. Her work is well-known for its unique technique of pouring paint by tilting the canvas rather than using brushes, resulting in delicate layers created by the accumulation of organic forms and pigments. However, the true focal point of her work lies in the accumulated sensibility and thought required to produce such simple and clear forms, the deliberate and profound production process, and the high level of tension maintained to achieve balance and harmony.

Hong’s early work began with accidental forms created by colors flowing according to the tilt of the canvas. Colors deepen when the canvas is level and lighten as images begin to take shape. Through successive attempts, these colors form subtle layers and achieve various depths of hue. In other words, balance creates form, and time creates color. In contrast, the works presented in this exhibition involve a thorough composition and planned reproduction of those "accidental" forms and colors. By employing a controlled and restrained serendipity, these works maintain a state of higher tension than her previous output. Furthermore, while her earlier shapes originated from the uncertain feelings of accidental effects, her current work explores more fundamental and essential forms through continuous variations based on the circle. While these organic shapes do not depict specific objects, they are difficult to label as pure abstraction because they suggest infinitely possible forms. Rather, by presenting shapes that evoke associations through visual experience or memory, she allows the viewer to experience a balance of ambiguous consciousness on the boundary between the familiar and the strange.

Balance, harmony, and the sustained tension required to maintain them are the primary motifs of Sooyeon Hong’s work, which has evolved gradually over a long period. While the act of maintaining balance is a delicate and sensitive task, the resulting harmony provides a sense of comfort and stability. The entire process—composing forms between the prototype and its variation, creating shapes while balancing the canvas, distributing color impartially, organizing space, capturing the moment, and pinpointing the conscious intersection between oneself and others—is a feat of sharp balancing. Because of this intense process, her final works are expressed with such quietude and serenity.

Much like a living organism evolving over vast stretches of time, Sooyeon Hong’s work seems to be evolving slowly. It constantly moves, acts, and reacts to achieve even the most minute changes. She incessantly redistributes forces to maintain a flawless balance between the familiar and the strange, reality and the ideal, change and attunement, and filling and emptying. Simultaneously, she waits for long periods to capture the equilibrium point between the time and space that encompass all these elements. This is why Hong’s work is quiet yet passionate, monotonous yet serious, and serene while maintaining extreme tension. It is the very reason we feel a sense of vitality in her tranquil compositions.