지난 3월 8일부터 29일까지 송아트갤러리에서 열렸던 홍수연의 개인전 에 출품된 작품들의 대부분은 흑백 단색조의 작업들이다. 훨씬 전에는 레드나 그린, 블루 계열의 다양한 색채들을 두루 다루어 왔지만, 수년 전부터는 무채색의 섬세한 계조의 변이에 방점을 두는 세련된 화면을 주로 구사해 오고 있다.캔버스 평면 위로 물감을 겹겹이 쌓아 올리면서 그 표면을 마치 유리처럼 매끈하고 균일하게 다듬어낸 다음, 그 위에 부드럽고도 모호한 형상들을 그려 넣는다. 그리고 다시 그 위에 물감을 붓고 상당한 시간에 걸쳐 물감을 수평면으로부터 기울여 흐르게 하는, 한 치의 실수도 용납지 않는 지난하고 엄격한 집중을 통해 원하는 화면을 구축해낸다. 그리고 그 위에 다시 수없이 많은 동일한 행위를 중첩시키는, 마치 수행과도 같은 일련의 과정들을 반복함으로써 하나의 작품이 완성된다.

이 작업들에서 가장 유의해 보아야 하는 포인트는 바로 전시 제목이 시사하고 있는 바처럼 ‘형태와 형태 사이’의 지점들이다. 여러 층으로 포개어진 형태들이 서로 어긋나고 엇갈리게 겹쳐지면서 나타나는 경계 주변의 아련한 밝기의 차이, 그리고 그 각각의 덩어리진 형태에서 흑과 백이 섞이는 정도의 차이로 인해 나타나는 일률적이지 않은 색조의 미세한 떨림은 관객들이 화면에서 느끼게 되는 회화적 쾌감의 결정적인 한 축을 이루고 있다. 단색 계열임에도 그 색면의 톤(tone)에서는 섬세하고도 예민한 바이브레이션을 무수히 내포하고 있기에, 일견 화면이 단순하게만 보이는듯하지만 그것이 그저 단순함 그 자체로서만 끝나버리지가 않는다. 그 안에는 관객들로 하여금 감각적 희열을 느끼도록 만들어주는 기이한 힘이 내재되어 있기 때문이다. 이전보다 한층 더 격조 있는 우아함이 드러나고 있는 근작의 화면은 어두움을 주조로 하는 미세한 명암의 대비나 중성적인 화면의 처리와도 밀접한 관련이 있는 듯하다. 색채의 대비보다는 단색의 변주를 통해 만들어지는 화면은 색조의 유사성 및 색조 간 차이의 미세한 진동을 통해 극도로 정련된 감각을 발산하고 있다.

그녀의 작업은 언제나 부유와 점착이 서로 흔들리는 감성의 경계면을 지시하고 있다. 그것이 흐르는 것인지 고정된 것인지 알 수 없는 서로서로의 형상들이 혼재된 부정(不定)의 양상은 색조의 서틀(subtle)한 차이에 의해 그 틈새(between)의 모호함을 화면 위로 선명하게 드러낸다. 화면의 형태와 형태 사이에는 견고함과 유연함이 동시에 공존하고 있다. 화면이 불러일으키는 긴장감은 이 둘 사이의 어떤 규정하기 어려운 지점에서 스치듯 발화되고 있는데, 화면이 주는 전체적인 느낌에서 풍기는 이지적인 양상과는 전혀 다르게, 부분 부분의 디테일의 섬세한 결들을 통해 예민한 감정을 불러일으키는 심리적 뉘앙스가 언뜻언뜻 드러나고 있음을 문득 발견하게 된다. 그래서일까? 화면이 환기시키는 심상은 홀로 거니는 몽유의 꿈길이나 본연한 마음의 유로(流露)를 오롯이 드리우고 있는 듯하다.

이것은 보이지 않지만 존재하고 있는 어떤 것들의 메타포이기도 하다. 예컨대 바람은 보이지 않지만 현실적으로 감각되는 명확한 실체이다. 홍수연의 작업은 여러 부정형의 추상적 도상들을 통해 하나의 시각적 형태감을 관객들에서 제시하지만, 실은 정작 그녀가 표현하고 싶어 하는 숨겨진 진실은 그 도상들 사이에서 그리고 그 도상들의 미묘한 변이에서 기류 – 바람 – 와도 같은 어떤 기분을 마치 더듬거리듯 촉지적으로 드러내려는 것이다. 보이지는 않지만 존재하는 것, 막연하지만 바로 그것을 체감할 수 있는 분명한 실체로서 제시하는 과정이 어쩌면 그녀의 작업의 테마가 되고 있는 것이 아닐까?

그녀의 작품들 속에서는 감정의 세미한 요동이나 기복조차도 자로 잰 듯 철저하게 절제시킨 결벽한 양상들이 명징하게 드러나고 있다. 그러나 또 이와는 정반대로 그녀의 작품들은 오히려 그 이면에 감추어진 극히 내밀한 자유에 대한 갈망, 그 참을 수 없는 간절한 충동을 느끼도록 만들어버리기도 한다. 마치 극단적인 일탈의 리비도(libido)가 극단적인 속박의 초자아(superego)와 충돌하고 있는 듯한 위태로운 양상 또는 거대한 리비도의 몸이 타이트한 초자아의 옷을 입고 있는 듯한 팽팽한 느낌처럼 말이다.

자신이 구상하고 진행해 나가지만 자신이 그리는 것이 아닌, 시간과 상황과 조건들의 다면적 조합에 의해 이루어지는 그녀의 화면은 마치 치밀한 계산과 극도의 긴장, 전적인 우연과 완전한 이완이 공존하는 배리(背理)의 이중성을 보여주고 있다. 자유과 강박의 이중주라고나 할까? 도달하려는 목표는 탈주와 방일을 지향하면서도 도달하는 과정에는 통제와 억압이 내포되어 있다. 물감을 기울여 흘린다는 행위는 즉흥성과 순간성을 내재한 개념항이지만, 이 우연처럼 보이는 유동의 과정이 실은 전혀 우연이 아닌, 극도로 계산된 집중의 프로세스를 통해 이루어지고 있는 안티노미(antinomy)의 모순 속에 놓여 있다. 실로 그녀는 이러한 이율배반을 통해, 극도의 ‘행위’와 완벽한 ‘무위’를 한 화면 안에서 동시적으로 펼쳐내고 있는 것이다.

The works presented in Sooyeon Hong’s solo exhibition, held at Song Art Gallery from March 8th to 29th, are predominantly monochromatic. While she previously explored a diverse palette of reds, greens, and blues, in recent years, she has mastered a sophisticated screen that emphasizes the delicate tonal transitions of achromatics. By layering paint upon the canvas and refining the surface to a glass-like smoothness, she then introduces soft, ambiguous forms. The final image is constructed through an arduous and rigorous process of pouring paint and tilting the canvas—allowing the medium to flow horizontally over time—a method that demands absolute concentration and permits not a single error. A piece is completed only after repeating this meditative, ascetic process countless times.

As the exhibition title suggests, the most crucial point of observation lies in the spaces "Between Forms." The subtle differences in luminosity near the boundaries where layered forms overlap and diverge, and the minute vibrations of tone caused by the varying degrees of black and white mixing within those masses, form a decisive pillar of the pictorial pleasure felt by the viewer. Although the palette is monochromatic, the surface contains countless delicate vibrations. What initially appears simple does not end in simplicity; rather, it possesses a strange, inherent power that evokes a sensory euphoria. Her recent works, which exude a more dignified elegance, seem closely related to the subtle contrast of light and shadow and the neutral treatment of the screen.

Her work always points toward an emotional interface where floating and adhesion sway against each other. These "indefinite" states—where it is unclear whether forms are flowing or fixed—vividly reveal the ambiguity of the "between" through subtle tonal shifts. Within the screen, solidity and flexibility coexist. The tension ignited by the work sparks from an indefinable point between these two extremes. Contrary to the intellectual appearance of the overall composition, one suddenly discovers psychological nuances that evoke sensitive emotions through the fine textures of detail. Perhaps that is why the imagery evoked feels like walking alone through a somber dreamscape or tracing the natural flow of the soul.

This serves as a metaphor for things that are invisible yet present. Wind, for instance, is invisible but remains a distinct entity perceived by our senses. While Hong presents a visual sense of form through various irregular abstract icons, her hidden truth lies in tactilely revealing a mood—much like an atmospheric current or wind—found in the slight mutations between those icons. Perhaps her theme is the process of presenting the intangible as a clear reality that can be felt.

In her work, even the slightest emotional fluctuations are thoroughly suppressed with surgical precision. Yet, paradoxically, these works stir a deep-seated longing for an intimate freedom—an unbearable, earnest impulse hidden beneath the surface. It is a precarious state, as if an extreme libido of transgression is colliding with an extreme superego of restraint, or like a massive libidinous body tightly clad in the restrictive garments of the superego.

Though she conceives and executes the plan, her screen is a multifaceted combination of time, situation, and conditions—showing a duality where meticulous calculation coexists with total chance. It is a duet of freedom and obsession. While the goal points toward escape and indulgence, the process is embedded with control and suppression. The act of tilting and flowing paint implies spontaneity, yet this "accidental" flow is, in reality, placed within the antinomy of a highly calculated process. Through this paradox, Sooyeon Hong simultaneously unfolds extreme "action" and perfect "inaction" on a single canvas.